Janes Haid-Schmallenberg_Interview_Studio-Talks

28.09.20
STUDIO TALKS

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janes haid schmallenberg

Janes haid-schmallenberg

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Janes haid-schmallenberg

Janes haid-schmallenberg

“Ich versuche mit meinen Bildern eine Darstellungsform für die unzählbaren kleinen Gedanken und beiläufigen Tagträume zu finden, 
die sich die ganze Zeit in jedem von uns abspielen.”

Janes Haid-Schmallenberg (b. 1988 in Warstein) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, er lebt und arbeitet heute in Berlin. Unser Gespräch fand im Juni 2020 in seinem Atelier nahe Gesundbrunnen im Wedding statt. Darin geht es unter anderem um die Studienzeit, um die Suche nach dem Gegenteil von abgeklärter Malerei, um den Spaß an Skulpturen, um Tagträume, Kopfkino,
MC Bomber und vieles mehr.

“Ich versuche mit meinen Bildern eine Darstellungsform für die unzählbaren kleinen Gedanken und beiläufigen Tagträume zu finden, 
die sich die ganze Zeit in jedem von uns abspielen.”

Janes Haid-Schmallenberg (b. 1988 in Warstein) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, er lebt und arbeitet heute in Berlin. Unser Gespräch fand im Juni 2020 in seinem Atelier nahe Gesundbrunnen im Wedding statt. Darin geht es unter anderem um die Studienzeit, um die Suche nach dem Gegenteil von abgeklärter Malerei, um den Spaß an Skulpturen, um Tagträume, Kopfkino,
MC Bomber und vieles mehr.

“Ich versuche mit meinen Bildern eine Darstellungsform für die unzählbaren kleinen Gedanken und beiläufigen Tagträume zu finden, die sich die ganze Zeit in jedem von uns abspielen.”

Janes Haid-Schmallenberg (b. 1988 in Warstein) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, er lebt und arbeitet heute in Berlin. Unser Gespräch fand im Juni 2020 in seinem Atelier nahe Gesundbrunnen im Wedding statt. Darin geht es unter anderem um die Studienzeit, um die Suche nach dem Gegenteil von abgeklärter Malerei, um den Spaß an Skulpturen, um Tagträume, Kopfkino,
MC Bomber und vieles mehr.

“Ich versuche mit meinen Bildern eine Darstellungsform für die unzählbaren kleinen Gedanken und beiläufigen Tagträume zu finden, 
die sich die ganze Zeit in jedem von uns abspielen.”

Janes Haid-Schmallenberg (b. 1988 in Warstein) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, er lebt und arbeitet heute in Berlin. Unser Gespräch fand im Juni 2020 in seinem Atelier nahe Gesundbrunnen im Wedding statt. Darin geht es unter anderem um die Studienzeit, um die Suche nach dem Gegenteil von abgeklärter Malerei, um den Spaß an Skulpturen, um Tagträume, Kopfkino,
MC Bomber und vieles mehr.

“Ich versuche mit meinen Bildern eine Darstellungsform für die unzählbaren kleinen Gedanken und beiläufigen Tagträume zu finden, 
die sich die ganze Zeit in jedem von uns abspielen.”

Janes Haid-Schmallenberg (b. 1988 in Warstein) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, er lebt und arbeitet heute in Berlin. Unser Gespräch fand im Juni 2020 in seinem Atelier nahe Gesundbrunnen im Wedding statt. Darin geht es unter anderem um die Studienzeit, um die Suche nach dem Gegenteil von abgeklärter Malerei, um den Spaß an Skulpturen, um Tagträume, Kopfkino,
MC Bomber und vieles mehr.

Ugur-Ulusoy_hyride-revolution_Installationview

18.09.20
WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

18.09.20
WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

18.09.20
WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

15.09.20
WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

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Uğur Ulusoy
4 Sep — 17 Oct 2020 at SETAREH X in Dusseldorf

Uğur Ulusoy
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Uğur Ulusoy
4 Sep — 17 Oct 2020 at SETAREH X in Dusseldorf

Uğur Ulusoy
4 Sep — 17 Oct 2020 at SETAREH X in Dusseldorf

Uğur Ulusoy
4 Sep — 17 Oct 2020 at SETAREH X in Dusseldorf

On the occasion of the DC Open 2020 SETAREH X presents hybr!de (r)evolut!on, the first solo show of Uğur Ulusoy. Especially for the exhibition, the artist has created a space-filling installation that extends over large parts of the walls, up to the ceiling and the floor of the gallery. In addition, further new works are shown.

Ulusoy works with different textiles, which he paints in rich colours. He hangs them on the wall as panels or held by frames and creates, collage-like interwoven, large- format landscapes. This happens in intuitive processes between structured working methods and free development, comparable to the 'écriture automatique'. Expressive application of paint and energetic, vibrant colours characterise his works. Merging colour surfaces alternate with anthropomorphic forms, small-scale architectural structures with writings and stencils.

On the occasion of the DC Open 2020 SETAREH X presents hybr!de (r)evolut!on, the first solo show of Uğur Ulusoy. Especially for the exhibition, the artist has created a space-filling installation that extends over large parts of the walls, up to the ceiling and the floor of the gallery. In addition, further new works are shown.

Ulusoy works with different textiles, which he paints in rich colours. He hangs them on the wall as panels or held by frames and creates, collage-like interwoven, large- format landscapes. This happens in intuitive processes between structured working methods and free development, comparable to the 'écriture automatique'. Expressive application of paint and energetic, vibrant colours characterise his works. Merging colour surfaces alternate with anthropomorphic forms, small-scale architectural structures with writings and stencils.

On the occasion of the DC Open 2020 SETAREH X presents hybr!de (r)evolut!on, the first solo show of Uğur Ulusoy. Especially for the exhibition, the artist has created a space-filling installation that extends over large parts of the walls, up to the ceiling and the floor of the gallery. In addition, further new works are shown.

Ulusoy works with different textiles, which he paints in rich colours. He hangs them on the wall as panels or held by frames and creates, collage-like interwoven, large- format landscapes. This happens in intuitive processes between structured working methods and free development, comparable to the 'écriture automatique'. Expressive application of paint and energetic, vibrant colours characterise his works. Merging colour surfaces alternate with anthropomorphic forms, small-scale architectural structures with writings and stencils.

On the occasion of the DC Open 2020 SETAREH X presents hybr!de (r)evolut!on, the first solo show of Uğur Ulusoy. Especially for the exhibition, the artist has created a space-filling installation that extends over large parts of the walls, up to the ceiling and the floor of the gallery. In addition, further new works are shown.

Ulusoy works with different textiles, which he paints in rich colours. He hangs them on the wall as panels or held by frames and creates, collage-like interwoven, large- format landscapes. This happens in intuitive processes between structured working methods and free development, comparable to the 'écriture automatique'. Expressive application of paint and energetic, vibrant colours characterise his works. Merging colour surfaces alternate with anthropomorphic forms, small-scale architectural structures with writings and stencils.

On the occasion of the DC Open 2020 SETAREH X presents hybr!de (r)evolut!on, the first solo show of Uğur Ulusoy. Especially for the exhibition, the artist has created a space-filling installation that extends over large parts of the walls, up to the ceiling and the floor of the gallery. In addition, further new works are shown.

Ulusoy works with different textiles, which he paints in rich colours. He hangs them on the wall as panels or held by frames and creates, collage-like interwoven, large- format landscapes. This happens in intuitive processes between structured working methods and free development, comparable to the 'écriture automatique'. Expressive application of paint and energetic, vibrant colours characterise his works. Merging colour surfaces alternate with anthropomorphic forms, small-scale architectural structures with writings and stencils.

DCopen_Kiga-03799

15.09.20
WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

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15.09.20
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WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

Marion Fink
4 Sep — 3 Okt 2020 bei SETAREH in Düsseldorf

Marion Fink
4 Sep — 3 Okt 2020 bei SETAREH in Düsseldorf

Marion Fink
4 Sep — 3 Okt 2020 bei SETAREH in Düsseldorf

Marion Fink
4 Sep — 3 Okt 2020 bei SETAREH in Düsseldorf

Marion Fink
4 Sep — 3 Okt 2020 bei SETAREH in Düsseldorf

Setareh zeigt erstmalig in ihren Räumen die Papierarbeiten der Potsdamer Künstlerin Marion Fink (*1987). In lebensgroßen Portraits stellt sie junge Menschen dar, die von einem traumartigen Bildraum in Neon- und Pastelltönen umgeben sind.

Die Werke von Marion Fink entspringen einem aufwändigen Druckverfahren: der Monotypie. Bei diesem Vorgang, das bereits im 17. Jahrhundert etabliert wurde, entsteht immer nur ein Exemplar, indem einzelne Bildsegmente zunächst auf Acrylglas mit Ölfarbe per Hand aufgemalt und anschließend auf Papier mit der eigenen Körperkraft übertragen werden. Aus diesem sog. "Abklatschverfahren" entstehen aufwändige Unikate und wie der Name bereits sagt (Monotypie - "ein einziges Bild") gehört die Monotypie nicht in jeder Hinsicht zur Druckgrafik, da sie ein unikales Verfahren ist.

Setareh zeigt erstmalig in ihren Räumen die Papierarbeiten der Potsdamer Künstlerin Marion Fink (*1987). In lebensgroßen Portraits stellt sie junge Menschen dar, die von einem traumartigen Bildraum in Neon- und Pastelltönen umgeben sind.

Die Werke von Marion Fink entspringen einem aufwändigen Druckverfahren: der Monotypie. Bei diesem Vorgang, das bereits im 17. Jahrhundert etabliert wurde, entsteht immer nur ein Exemplar, indem einzelne Bildsegmente zunächst auf Acrylglas mit Ölfarbe per Hand aufgemalt und anschließend auf Papier mit der eigenen Körperkraft übertragen werden. Aus diesem sog. "Abklatschverfahren" entstehen aufwändige Unikate und wie der Name bereits sagt (Monotypie - "ein einziges Bild") gehört die Monotypie nicht in jeder Hinsicht zur Druckgrafik, da sie ein unikales Verfahren ist. 

Setareh zeigt erstmalig in ihren Räumen die Papierarbeiten der Potsdamer Künstlerin Marion Fink (*1987). In lebensgroßen Portraits stellt sie junge Menschen dar, die von einem traumartigen Bildraum in Neon- und Pastelltönen umgeben sind.

Die Werke von Marion Fink entspringen einem aufwändigen Druckverfahren: der Monotypie. Bei diesem Vorgang, das bereits im 17. Jahrhundert etabliert wurde, entsteht immer nur ein Exemplar, indem einzelne Bildsegmente zunächst auf Acrylglas mit Ölfarbe per Hand aufgemalt und anschließend auf Papier mit der eigenen Körperkraft übertragen werden. Aus diesem sog. "Abklatschverfahren" entstehen aufwändige Unikate und wie der Name bereits sagt (Monotypie - "ein einziges Bild") gehört die Monotypie nicht in jeder Hinsicht zur Druckgrafik, da sie ein unikales Verfahren ist.

Setareh zeigt erstmalig in ihren Räumen die Papierarbeiten der Potsdamer Künstlerin Marion Fink (*1987). In lebensgroßen Portraits stellt sie junge Menschen dar, die von einem traumartigen Bildraum in Neon- und Pastelltönen umgeben sind.

Die Werke von Marion Fink entspringen einem aufwändigen Druckverfahren: der Monotypie. Bei diesem Vorgang, das bereits im 17. Jahrhundert etabliert wurde, entsteht immer nur ein Exemplar, indem einzelne Bildsegmente zunächst auf Acrylglas mit Ölfarbe per Hand aufgemalt und anschließend auf Papier mit der eigenen Körperkraft übertragen werden. Aus diesem sog. "Abklatschverfahren" entstehen aufwändige Unikate und wie der Name bereits sagt (Monotypie - "ein einziges Bild") gehört die Monotypie nicht in jeder Hinsicht zur Druckgrafik, da sie ein unikales Verfahren ist.

Setareh zeigt erstmalig in ihren Räumen die Papierarbeiten der Potsdamer Künstlerin Marion Fink (*1987). In lebensgroßen Portraits stellt sie junge Menschen dar, die von einem traumartigen Bildraum in Neon- und Pastelltönen umgeben sind.

Die Werke von Marion Fink entspringen einem aufwändigen Druckverfahren: der Monotypie. Bei diesem Vorgang, das bereits im 17. Jahrhundert etabliert wurde, entsteht immer nur ein Exemplar, indem einzelne Bildsegmente zunächst auf Acrylglas mit Ölfarbe per Hand aufgemalt und anschließend auf Papier mit der eigenen Körperkraft übertragen werden. Aus diesem sog. "Abklatschverfahren" entstehen aufwändige Unikate und wie der Name bereits sagt (Monotypie - "ein einziges Bild") gehört die Monotypie nicht in jeder Hinsicht zur Druckgrafik, da sie ein unikales Verfahren ist.

Laura Sachs_Interview_Studio-Talks

18.08.20
STUDIO TALKS

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STUDIO TALKS

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Laura sachs

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“In der Philosophie geht man den Dingen auf den Grund. Dieses Vorgehen entspricht bis heute meiner künstlerischen Suche.”

Laura Sachs (b. 1985, Darmstadt) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, sie lebt und arbeitet mittlerweile aber hauptsächlich in Berlin. Ihr Atelier liegt mitten in Neukölln, wo wir uns Ende Mai getroffen haben. In dem wunderbar friedlichen und sonnigen Innenhof konnten wir – nach fast drei Monaten Lockdown – die kritische Weltlage mal für einen Augenblick vergessen und uns ganz auf die Kunst und Lauras Arbeiten einlassen. Wir sprachen unter anderem über ihre Solo-Ausstellung, die sie Anfang des Jahres hatte, über die Zeit an der Akademie, über Metallverarbeitung, Philosophie, Pflanzen im Atelier und Musik hören beim Malen. 

“In der Philosophie geht man den Dingen auf den Grund. Dieses Vorgehen entspricht bis heute meiner künstlerischen Suche.”

Laura Sachs (b. 1985, Darmstadt) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, sie lebt und arbeitet mittlerweile aber hauptsächlich in Berlin. Ihr Atelier liegt mitten in Neukölln, wo wir uns Ende Mai getroffen haben. In dem wunderbar friedlichen und sonnigen Innenhof konnten wir – nach fast drei Monaten Lockdown – die kritische Weltlage mal für einen Augenblick vergessen und uns ganz auf die Kunst und Lauras Arbeiten einlassen. Wir sprachen unter anderem über ihre Solo-Ausstellung, die sie Anfang des Jahres hatte, über die Zeit an der Akademie, über Metallverarbeitung, Philosophie, Pflanzen im Atelier und Musik hören beim Malen. 

“In der Philosophie geht man den Dingen auf den Grund. Dieses Vorgehen entspricht bis heute meiner künstlerischen Suche.”

Laura Sachs (b. 1985, Darmstadt) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, sie lebt und arbeitet mittlerweile aber hauptsächlich in Berlin. Ihr Atelier liegt mitten in Neukölln, wo wir uns Ende Mai getroffen haben. In dem wunderbar friedlichen und sonnigen Innenhof konnten wir – nach fast drei Monaten Lockdown – die kritische Weltlage mal für einen Augenblick vergessen und uns ganz auf die Kunst und Lauras Arbeiten einlassen. 
Wir sprachen unter anderem über ihre Solo-Ausstellung, die sie Anfang des Jahres hatte, über die Zeit an der Akademie, über Metallverarbeitung, Philosophie, Pflanzen im Atelier und Musik hören beim Malen. 

“In der Philosophie geht man den Dingen auf den Grund. Dieses Vorgehen entspricht bis heute meiner künstlerischen Suche.”

Laura Sachs (b. 1985, Darmstadt) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, sie lebt und arbeitet mittlerweile aber hauptsächlich in Berlin. Ihr Atelier liegt mitten in Neukölln, wo wir uns Ende Mai getroffen haben. In dem wunderbar friedlichen und sonnigen Innenhof konnten wir – nach fast drei Monaten Lockdown – die kritische Weltlage mal für einen Augenblick vergessen und uns ganz auf die Kunst und Lauras Arbeiten einlassen. Wir sprachen unter anderem über ihre Solo-Ausstellung, die sie Anfang des Jahres hatte, über die Zeit an der Akademie, über Metallverarbeitung, Philosophie, Pflanzen im Atelier und Musik hören beim Malen. 

“In der Philosophie geht man den Dingen auf den Grund. Dieses Vorgehen entspricht bis heute meiner künstlerischen Suche.”

Laura Sachs (b. 1985, Darmstadt) hat an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert, sie lebt und arbeitet mittlerweile aber hauptsächlich in Berlin. Ihr Atelier liegt mitten in Neukölln, wo wir uns Ende Mai getroffen haben. In dem wunderbar friedlichen und sonnigen Innenhof konnten wir – nach fast drei Monaten Lockdown – die kritische Weltlage mal für einen Augenblick vergessen und uns ganz auf die Kunst und Lauras Arbeiten einlassen. 
Wir sprachen unter anderem über ihre Solo-Ausstellung, die sie Anfang des Jahres hatte, über die Zeit an der Akademie, über Metallverarbeitung, Philosophie, Pflanzen im Atelier und Musik hören beim Malen. 

DCopen_Kiga-03706

05.09.20
RHEINISCHE POST

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RHEINISCHE POST

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RHEINISCHE POST

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AUF ZUR WOCHENEND-RALLYE DURCH DIE GALERIEN

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Die Kunsthäuser laden bei der DC Open mit neuen Austellungen zum Besuch ein. Wir stellen einige der interessantesten vor.

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Die Kunsthäuser laden bei der DC Open mit neuen Austellungen zum Besuch ein. Wir stellen einige der interessantesten vor.

Samander-Setareh-@normanlvdlckr-768×512

06.07.20
LUX MAG

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Three top gallerists on how the art world is changing

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Three top gallerists on how the art world is changing

Three top gallerists on how the art world is changing

Samandar Setareh: “I think this pandemic will have a profound effect on the art world. I already see successful business models being challenged. Galleries that had detached themselves from their artists and their natural collector base and moved into a kind of travelling environment and artificial marketplace are going to find it difficult. Galleries that are are deeply rooted in relation to their collectors and their artists will be the winners of this new time which we are facing. This is an approach we’ve had from the beginning. On starting the gallery, we decided to be deeply rooted in this area and to make that a point of excellence in a sense. We have deep relations with the collectors and collections here, and we’re very close to the institutions of the regions. We have world-class museums in this area, the Ludwig museum in Cologne is very close, the NRW Collection in Düsseldorf and one of the best things is that we have is the Kunstakademie Düsseldorf, which has produced perhaps 75% of the very important German artists in the post-war period. So while Düsseldorf isn’t a financial hub compared to places like Paris, London or New York, it’s a cultural production hub.

Samandar Setareh: “I think this pandemic will have a profound effect on the art world. I already see successful business models being challenged. Galleries that had detached themselves from their artists and their natural collector base and moved into a kind of travelling environment and artificial marketplace are going to find it difficult. Galleries that are are deeply rooted in relation to their collectors and their artists will be the winners of this new time which we are facing. This is an approach we’ve had from the beginning. On starting the gallery, we decided to be deeply rooted in this area and to make that a point of excellence in a sense. We have deep relations with the collectors and collections here, and we’re very close to the institutions of the regions. We have world-class museums in this area, the Ludwig museum in Cologne is very close, the NRW Collection in Düsseldorf and one of the best things is that we have is the Kunstakademie Düsseldorf, which has produced perhaps 75% of the very important German artists in the post-war period. So while Düsseldorf isn’t a financial hub compared to places like Paris, London or New York, it’s a cultural production hub.

Samandar Setareh: “I think this pandemic will have a profound effect on the art world. I already see successful business models being challenged. Galleries that had detached themselves from their artists and their natural collector base and moved into a kind of travelling environment and artificial marketplace are going to find it difficult. Galleries that are are deeply rooted in relation to their collectors and their artists will be the winners of this new time which we are facing. This is an approach we’ve had from the beginning. On starting the gallery, we decided to be deeply rooted in this area and to make that a point of excellence in a sense. We have deep relations with the collectors and collections here, and we’re very close to the institutions of the regions. We have world-class museums in this area, the Ludwig museum in Cologne is very close, the NRW Collection in Düsseldorf and one of the best things is that we have is the Kunstakademie Düsseldorf, which has produced perhaps 75% of the very important German artists in the post-war period. So while Düsseldorf isn’t a financial hub compared to places like Paris, London or New York, it’s a cultural production hub.

Samandar Setareh: “I think this pandemic will have a profound effect on the art world. I already see successful business models being challenged. Galleries that had detached themselves from their artists and their natural collector base and moved into a kind of travelling environment and artificial marketplace are going to find it difficult. Galleries that are are deeply rooted in relation to their collectors and their artists will be the winners of this new time which we are facing. This is an approach we’ve had from the beginning. On starting the gallery, we decided to be deeply rooted in this area and to make that a point of excellence in a sense. We have deep relations with the collectors and collections here, and we’re very close to the institutions of the regions. We have world-class museums in this area, the Ludwig museum in Cologne is very close, the NRW Collection in Düsseldorf and one of the best things is that we have is the Kunstakademie Düsseldorf, which has produced perhaps 75% of the very important German artists in the post-war period. So while Düsseldorf isn’t a financial hub compared to places like Paris, London or New York, it’s a cultural production hub.

Samandar Setareh: “I think this pandemic will have a profound effect on the art world. I already see successful business models being challenged. Galleries that had detached themselves from their artists and their natural collector base and moved into a kind of travelling environment and artificial marketplace are going to find it difficult. Galleries that are are deeply rooted in relation to their collectors and their artists will be the winners of this new time which we are facing. This is an approach we’ve had from the beginning. On starting the gallery, we decided to be deeply rooted in this area and to make that a point of excellence in a sense. We have deep relations with the collectors and collections here, and we’re very close to the institutions of the regions. We have world-class museums in this area, the Ludwig museum in Cologne is very close, the NRW Collection in Düsseldorf and one of the best things is that we have is the Kunstakademie Düsseldorf, which has produced perhaps 75% of the very important German artists in the post-war period. So while Düsseldorf isn’t a financial hub compared to places like Paris, London or New York, it’s a cultural production hub.

Unbenannt-1

01.07.20
ELECTRONIC BEATS

01.07.20
ELECTRONIC BEATS

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'Black Album / White Cube': Visual Artists Explore Collective Resistance in Music
'Black Album / White Cube': Visual Artists Explore Collective Resistance in Music
'Black Album / White Cube': Visual Artists Explore Collective Resistance in Music
'Black Album / White Cube': Visual Artists Explore Collective Resistance in Music

It’s precisely the visceral immateriality of music that escapes the scope and authority of predicative language and semiotics. Berlin-based painter Bettina Scholz translates this immateriality in her dystopic triptych, individually titled “Blade Runner 2049,” “Qualm,” and “Solaris.”  Taking inspiration from Benjamin Wallfisch and Hans Zimmer’s Blade Runner 2049 film score and Helena Hauff’s gritty, acid-soaked album Qualm, Scholz’s synesthetic process forms subliminally, resulting in raucous and even gothic abstractions in her acrylic glass paintings. Referencing this synesthesia, Scholz comments, “When I hear music, I see colors in my mind.”

It’s precisely the visceral immateriality of music that escapes the scope and authority of predicative language and semiotics. Berlin-based painter Bettina Scholz translates this immateriality in her dystopic triptych, individually titled “Blade Runner 2049,” “Qualm,” and “Solaris.”  Taking inspiration from Benjamin Wallfisch and Hans Zimmer’s Blade Runner 2049 film score and Helena Hauff’s gritty, acid-soaked album Qualm, Scholz’s synesthetic process forms subliminally, resulting in raucous and even gothic abstractions in her acrylic glass paintings. Referencing this synesthesia, Scholz comments, “When I hear music, I see colors in my mind.”

It’s precisely the visceral immateriality of music that escapes the scope and authority of predicative language and semiotics. Berlin-based painter Bettina Scholz translates this immateriality in her dystopic triptych, individually titled “Blade Runner 2049,” “Qualm,” and “Solaris.”  Taking inspiration from Benjamin Wallfisch and Hans Zimmer’s Blade Runner 2049 film score and Helena Hauff’s gritty, acid-soaked album Qualm, Scholz’s synesthetic process forms subliminally, resulting in raucous and even gothic abstractions in her acrylic glass paintings. Referencing this synesthesia, Scholz comments, “When I hear music, I see colors in my mind.”

It’s precisely the visceral immateriality of music that escapes the scope and authority of predicative language and semiotics. Berlin-based painter Bettina Scholz translates this immateriality in her dystopic triptych, individually titled “Blade Runner 2049,” “Qualm,” and “Solaris.”  Taking inspiration from Benjamin Wallfisch and Hans Zimmer’s Blade Runner 2049 film score and Helena Hauff’s gritty, acid-soaked album Qualm, Scholz’s synesthetic process forms subliminally, resulting in raucous and even gothic abstractions in her acrylic glass paintings. Referencing this synesthesia, Scholz comments, “When I hear music, I see colors in my mind.”

It’s precisely the visceral immateriality of music that escapes the scope and authority of predicative language and semiotics. Berlin-based painter Bettina Scholz translates this immateriality in her dystopic triptych, individually titled “Blade Runner 2049,” “Qualm,” and “Solaris.”  Taking inspiration from Benjamin Wallfisch and Hans Zimmer’s Blade Runner 2049 film score and Helena Hauff’s gritty, acid-soaked album Qualm, Scholz’s synesthetic process forms subliminally, resulting in raucous and even gothic abstractions in her acrylic glass paintings. Referencing this synesthesia, Scholz comments, “When I hear music, I see colors in my mind.”

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02.07.20
FAZ FEUILLETON

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FAZ FEUILLETON

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FAZ FEUILLETON

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FAZ FEUILLETON

SO VIEL FOTOGRAFIE WAR NIE
SO VIEL FOTOGRAFIE
WAR NIE
SO VIEL
FOTOGRAFIE
WAR NIE
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SO VIEL FOTOGRAFIE
WAR NIE

Ein riesiges Smartphone empfängt den Besucher der Ausstellung „Subjekt und Objekt“, Johannes Post hat es als Folie auf die Fensterscheibe der Kunsthalle Düsseldorf geklebt und präsentiert damit beispielhaft den meistbenutzten Fotoapparat der Gegenwart.…

Ein riesiges Smartphone empfängt den Besucher der Ausstellung „Subjekt und Objekt“, Johannes Post hat es als Folie auf die Fensterscheibe der Kunsthalle Düsseldorf geklebt und präsentiert damit beispielhaft den meistbenutzten Fotoapparat der Gegenwart.…

Ein riesiges Smartphone empfängt den Besucher der Ausstellung „Subjekt und Objekt“, Johannes Post hat es als Folie auf die Fensterscheibe der Kunsthalle Düsseldorf geklebt und präsentiert damit beispielhaft den…

Ein riesiges Smartphone empfängt den Besucher der Ausstellung „Subjekt und Objekt“, Johannes Post hat es als Folie auf die Fensterscheibe der Kunsthalle Düsseldorf geklebt und präsentiert damit beispielhaft den meistbenutzten Fotoapparat der Gegenwart.…

Ein riesiges Smartphone empfängt den Besucher der Ausstellung „Subjekt und Objekt“, Johannes Post hat es als Folie auf die Fensterscheibe der Kunsthalle Düsseldorf geklebt und präsentiert damit beispielhaft den meistbenutzten Fotoapparat der Gegenwart.…

betke-tagesspiegel

21.06.20
Berliner Tagesspiegel

21.06.20
Berliner Tagesspiegel

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Berliner Tagesspiegel

WOLFGANG BETKE
MEHR BERLIN

WOLFGANG
BETKE
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WOLFGANG BETKE
MEHR BERLIN

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Das Porträt ist gerade noch zu erkennen. Man sieht Schultern, Hals und einen Kopf in völliger Auflösung. Wie auf einem Foto mit langer Belichtungszeit, während derer sich der Porträtierte unablässig
bewegt. Tatsächlich entwickeln sich manche Bilder bei Wolfgang Betke über Jahre. Daraus resultiert eine seltsame Vielgesichtigkeit: Der Berliner Künstler macht sein Motiv zwar aus vielen Perspektiven sichtbar, fassen aber lässt es sich nicht…

Das Porträt ist gerade noch zu erkennen. Man sieht Schultern, Hals und einen Kopf in völliger Auflösung. Wie auf einem Foto mit langer Belichtungszeit, während derer sich der Porträtierte unablässig
bewegt. Tatsächlich entwickeln sich manche Bilder bei Wolfgang Betke über Jahre. Daraus resultiert eine seltsame Vielgesichtigkeit: Der Berliner Künstler macht…

Das Porträt ist gerade noch zu erkennen. Man sieht Schultern, Hals und einen Kopf in völliger Auflösung. Wie auf einem Foto mit langer Belichtungszeit, während derer sich der Porträtierte unablässig bewegt. Tatsächlich entwickeln sich manche Bilder bei Wolfgang Betke über Jahre…

Das Porträt ist gerade noch zu erkennen. Man sieht Schultern, Hals und einen Kopf in völliger Auflösung. Wie auf einem Foto mit langer Belichtungszeit, während derer sich der Porträtierte unablässig bewegt. Tatsächlich entwickeln sich manche Bilder bei Wolfgang Betke über Jahre. Daraus resultiert eine seltsame Vielgesichtigkeit: Der Berliner Künstler macht sein Motiv zwar aus vielen Perspektiven sichtbar, fassen aber lässt es sich nicht. Dieser Versuch, malend festzuhalten, was einem im selben Moment entgleitet, zeichnet sein Werk aus. Dafür rüstet sich Betke mit einer Schleifmaschine, um die Farben partiell wieder abzutragen. Die Vergeblichkeit beginnt bereits im Prozess – sie ist kein Effekt, sondern Teil der Arbeit und spürbar bis ins Material der malträtierten Oberflächen. „Darstellungen des Verschwindens“ nennt sie der Kurator Ludwig Seyfarth. Zugleich erinnert ihn Betkes Vorgehensweise an die frühe Moderne: an Franz Marc oder Ernst Ludwig Kircher, die das eigene widersprüchliche Erleben sichtbar machten, statt es mit schönen Motiven zu übermalen.

From: Berliner Tagesspiegel

Das Porträt ist gerade noch zu erkennen. Man sieht Schultern, Hals und einen Kopf in völliger Auflösung. Wie auf einem Foto mit langer Belichtungszeit, während derer sich der Porträtierte unablässig bewegt. Tatsächlich entwickeln sich manche Bilder bei Wolfgang Betke über Jahre. Daraus resultiert eine seltsame Vielgesichtigkeit: Der Berliner Künstler macht sein Motiv zwar aus vielen Perspektiven sichtbar, fassen aber lässt es sich nicht. Dieser Versuch, malend festzuhalten, was einem im selben Moment entgleitet, zeichnet sein Werk aus. Dafür rüstet sich Betke mit einer Schleifmaschine, um die Farben partiell wieder abzutragen. Die Vergeblichkeit beginnt bereits im Prozess – sie ist kein Effekt, sondern Teil der Arbeit und spürbar bis ins Material der malträtierten Oberflächen. „Darstellungen des Verschwindens“ nennt sie der Kurator Ludwig Seyfarth. Zugleich erinnert ihn Betkes Vorgehensweise an die frühe Moderne: an Franz Marc oder Ernst Ludwig Kircher, die das eigene widersprüchliche Erleben sichtbar machten, statt es mit schönen Motiven zu übermalen.

From: Berliner Tagesspiegel

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21.06.20
KUNSTHAL ROTTERDAM

21.06.20
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21.06.20
KUNSTHAL ROTTERDAM

Black album
white cube

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white cube

Music rules! In the exhibition ‘Black Album / White Cube’ at Kunsthal Rotterdam 35 internationally renowned artists and musicians present almost 200 works of contemporary art - multimedia installations, sculptures, videos and paintings. The exhibition reveals what happens when the worlds of art and pop music meet. Modern classics …

Music rules! In the exhibition ‘Black Album / White Cube’ at Kunsthal Rotterdam 35 internationally renowned artists and musicians present almost 200 works of contemporary art - multimedia installations, sculptures, videos and paintings. The exhibition reveals what happens when the worlds of art and pop music meet. Modern classics …

Music rules! In the exhibition ‘Black Album / White Cube’ at Kunsthal Rotterdam 35 internationally renowned artists and musicians present almost 200 works of contemporary art - multimedia installations, sculptures, videos and paintings. The exhibition reveals what happens when the worlds of art and pop music meet. Modern classics …

Music rules! In the exhibition ‘Black Album / White Cube’ at Kunsthal Rotterdam 35 internationally renowned artists and musicians present almost 200 works of contemporary art - multimedia installations, sculptures, videos and paintings. The exhibition reveals what happens when the worlds of art and pop music meet. Modern classics …

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SEVEN-LABOURS-by-Soraya-Sharghi-at-SETAREH,-2020,-5

21.06.20
ARTNET

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Don’t Miss These 6 Exciting Up-and-Coming Artists With New Work You Can Check Out—Virtually—All Month

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In raucously colorful large-format paintings, Soraya Sharghi builds her own 21st-century mythology. The artist finds inspiration both in tales of archaic matriarchal societies and by reconfiguring the ancient visual folklores of the East and the West by placing female figures at the centers of these age-old narratives. She infuses these with new life melding them with memories of childhood fairy tales, Persian miniature painting, Japanese anime, and contemporary literature.

Soraya Sharghi’s “Seven Labours” in on view online through May 23, 2020, at Setareh Gallery.

In raucously colorful large-format paintings, Soraya Sharghi builds her own 21st-century mythology. The artist finds inspiration both in tales of archaic matriarchal societies and by reconfiguring the ancient visual folklores of the East and the West by placing female figures at the centers of these age-old narratives. She infuses these with new life melding them with memories of childhood fairy tales, Persian miniature painting, Japanese anime, and contemporary literature.

Soraya Sharghi’s “Seven Labours” in on view online through May 23, 2020, at Setareh Gallery.

In raucously colorful large-format paintings, Soraya Sharghi builds her own 21st-century mythology. The artist finds inspiration both in tales of archaic matriarchal societies and by reconfiguring the ancient visual folklores of the East and the West by placing female figures at the centers of these age-old narratives. She infuses these with new life melding them with memories of childhood fairy tales, Persian miniature painting, Japanese anime, and contemporary literature.

Soraya Sharghi’s “Seven Labours” in on view online through May 23, 2020, at Setareh Gallery.

In raucously colorful large-format paintings, Soraya Sharghi builds her own 21st-century mythology. The artist finds inspiration both in tales of archaic matriarchal societies and by reconfiguring the ancient visual folklores of the East and the West by placing female figures at the centers of these age-old narratives. She infuses these with new life melding them with memories of childhood fairy tales, Persian miniature painting, Japanese anime, and contemporary literature.

Soraya Sharghi’s “Seven Labours” in on view online through May 23, 2020, at Setareh Gallery.

In raucously colorful large-format paintings, Soraya Sharghi builds her own 21st-century mythology. The artist finds inspiration both in tales of archaic matriarchal societies and by reconfiguring the ancient visual folklores of the East and the West by placing female figures at the centers of these age-old narratives. She infuses these with new life melding them with memories of childhood fairy tales, Persian miniature painting, Japanese anime, and contemporary literature.

Soraya Sharghi’s “Seven Labours” in on view online through May 23, 2020, at Setareh Gallery.

Details–Golden-birds,-2020-Acrylic-on-canvas,-137.16×190.5-cm

21.06.20
JUXTAPOZ

21.06.20
JUXTAPOZ

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Seven Labours: SETAREH Presents The First European Exhibition of Soraya Sharghi

Seven Labours: SETAREH Presents The First European Exhibition of Soraya Sharghi

Seven Labours: SETAREH Presents The First European Exhibition of Soraya Sharghi

A large logo was key to reflect the importance of the brand message within the organization’s messaging and lead with citizens to remind them of the unmet primary objective. While our provincial border communities are not alone in their inability to fund good quality public education, we do share one major problem: illiteracy. Provincial statistics indicate that 6 out of 10 children aged five to 19 have suffered from some kind of cause by the time they are

As we have ourselves have been sheltered in place for a few weeks now, we are getting a chance to explore a full array of exhibitions that were set to open around the globe. We have our eye on the new body of work of Soraya Sharghi on view now (virtually) at SETAREH in Düsseldorf, Germany.  

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe…

As we have ourselves have been sheltered in place for a few weeks now, we are getting a chance to explore a full array of exhibitions that were set to open around the globe. We have our eye on the new body of work of Soraya Sharghi on view now (virtually) at SETAREH in Düsseldorf, Germany.  

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe…

As we have ourselves have been sheltered in place for a few weeks now, we are getting a chance to explore a full array of exhibitions that were set to open around the globe. We have our eye on the new body of work of Soraya Sharghi on view now (virtually) at SETAREH in Düsseldorf, Germany.  

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe…

As we have ourselves have been sheltered in place for a few weeks now, we are getting a chance to explore a full array of exhibitions that were set to open around the globe. We have our eye on the new body of work of Soraya Sharghi on view now (virtually) at SETAREH in Düsseldorf, Germany.  

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe…

SSHA:M 11, Spears dance (Eve.14), 2019

21.06.20
WALL STREET INTERNATIONAL MAGAZINE

21.06.20
WALL STREET INTERNATIONAL
MAGAZINE

21.06.20
WALL STREET INTERNATIONAL
MAGAZINE

FIRST EXHIBITION OF
SORAYA SHARGI IN EUROPE

FIRST EXHIBITION OF SORAYA SHARGI IN EUROPE

FIRST EXHIBITION OF SORAYA SHARGI IN EUROPE

FIRST EXHIBITION OF
SORAYA SHARGI IN EUROPE

A large logo was key to reflect the importance of the brand message within the organization’s messaging and lead with citizens to remind them of the unmet primary objective. While our provincial border communities are not alone in their inability to fund good quality public education, we do share one major problem: illiteracy. Provincial statistics indicate that 6 out of 10 children aged five to 19 have suffered from some kind of cause by the time they are

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe.

In her large-format paintings Sharghi depicts a mythology of the 21st century. Young women are staged in the role of a new type of heroine, drawing from the visual worlds of ancient Europe and oriental tales…

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe.

In her large-format paintings Sharghi depicts a mythology of the 21st century. Young women are staged in the role of a new type of heroine, drawing from the visual worlds of ancient Europe and oriental tales…

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe.

In her large-format paintings Sharghi depicts a mythology of the 21st century. Young women are staged in the role of a new type of heroine, drawing from the visual worlds of ancient Europe and oriental tales…

SETAREH is pleased to present the first exhibition of the artist Soraya Sharghi in Europe.

In her large-format paintings Sharghi depicts a mythology of the 21st century. Young women are staged in the role of a new type of heroine, drawing from the visual worlds of ancient Europe and oriental tales…

Bildschirmfoto 2019-09-10 um 18.54.13

21.06.20
JETZT!

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JETZT!

21.06.20
JETZT!

Junge Malerei in deutschland

Junge Malerei in deutschland

Junge Malerei in deutschland

Junge Malerei in deutschland

A large logo was key to reflect the importance of the brand message within the organization’s messaging and lead with citizens to remind them of the unmet primary objective. While our provincial border communities are not alone in their inability to fund good quality public education, we do share one major problem: illiteracy. Provincial statistics indicate that 6 out of 10 children aged five to 19 have suffered from some kind of cause by the time they are

Kein künstlerisches Medium hat so viele positive wie negative Zuschreibungen erlebt wie die Malerei. Mit dem Ausstellungsprojekt Jetzt! Junge Malerei in Deutschland unternehmen das Kunstmuseum Bonn, das Museum Wiesbaden, die Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser und die Deichtorhallen Hamburg den Versuch, den aktuellen Stand des Mediums zu bestimmen. Ziel ist es, einen gültigen Querschnitt durch die junge in Deutschland produzierte Malerei zu geben und dabei all ihre Erscheinungsformen zu berücksichtigen.

Kein künstlerisches Medium hat so viele positive wie negative Zuschreibungen erlebt wie die Malerei. Mit dem Ausstellungsprojekt Jetzt! Junge Malerei in Deutschland unternehmen das Kunstmuseum Bonn, das Museum Wiesbaden, die Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser und die Deichtorhallen Hamburg den Versuch, den aktuellen Stand des Mediums zu bestimmen. Ziel ist es, einen gültigen Querschnitt durch die junge in Deutschland produzierte Malerei zu geben und dabei all ihre Erscheinungsformen zu berücksichtigen.

Kein künstlerisches Medium hat so viele positive wie negative Zuschreibungen erlebt wie die Malerei. Mit dem Ausstellungsprojekt Jetzt! Junge Malerei in Deutschland unternehmen das Kunstmuseum Bonn, das Museum Wiesbaden, die Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser und die Deichtorhallen Hamburg den Versuch, den aktuellen Stand des Mediums zu bestimmen. Ziel ist es, einen gültigen Querschnitt durch die junge in Deutschland produzierte Malerei zu geben und dabei all ihre Erscheinungsformen zu berücksichtigen.

Kein künstlerisches Medium hat so viele positive wie negative Zuschreibungen erlebt wie die Malerei. Mit dem Ausstellungsprojekt Jetzt! Junge Malerei in Deutschland unternehmen das Kunstmuseum Bonn, das Museum Wiesbaden, die Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser und die Deichtorhallen Hamburg den Versuch, den aktuellen Stand des Mediums zu bestimmen. Ziel ist es, einen gültigen Querschnitt durch die junge in Deutschland produzierte Malerei zu geben und dabei all ihre Erscheinungsformen zu berücksichtigen.

Königsallee 27 & 31
40212 Düsseldorf, Germany

Königsallee 27 & 31 

40212 Düsseldorf, Germany

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40212 Düsseldorf, Germany

+49 (0)211 82827171
info(at)setareh-gallery.com

Opening hours
Mon–Fri: 10am–7pm, Sat: 10am - 6pm

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Mon–Fri: 10am–7pm,
Sat: 10am - 6pm